戏曲艺术从古至今，为提升生存力，有过大大小小的变革，从宋金杂剧到元杂剧，到传奇、到板腔体等，每一次戏剧形式的变革，都是在原有的戏剧形态基础上进行的。“地方戏”是戏曲在继承中不断创新的产物。所以，地方戏要发展，仍离不开继承与创新。

     各地方剧种各具特色，地方戏之间最大的区别是语音、声腔、音乐、打击乐、绝技等。地方戏属于地域传统文化的一部分，由于它植根地域文化的土壤，具有浓郁的民间性，反映了一方民众的心理特征，培养了较大群体的欣赏习惯和审美趣味，为群众喜闻乐见。走进21世纪，人们的观念、思维和生活节奏都在发生变化，对戏曲审美有新的追求。“笔墨当随时代”，我们不能固步自封，更不能将“保护原生态”作为保守的理由，因为戏曲是活体传承的表演形式。无论传统剧目还是新编剧目，要从时代的角度审视诠释，使当代观众获得美感认同，特别是引起青年观众思想感情上的共鸣和戏曲美的享受，并给人们带来人生的启迪。

     从上世纪末至今，戏曲进入了大胆探索、革新的时期。张庚先生指出：“什么叫在遗产的基础上发展新戏曲呢？就是要在一个剧种的基础上进行发展，要老百姓能接受。”新创的戏，有的比较成功，但也有些作品陷入一些误区。比如，剧本不符合戏曲规律、唱腔削弱剧种特色，成为“某某戏音乐剧”；演员的艺术技巧减弱，舞台布景过实，一窝风地“大制作”，还有，群舞过滥、服饰专注“考古”等；更有用话剧或其他门类的艺术方法来处理戏曲，被观众贬为“不伦不类”“话剧加唱”。

     由于不重视戏曲“表演是舞台的中心”的原则等原因，有的剧种的一些行当消失了，有的剧种只能演“三小戏”，有的剧种传统剧目逐渐消失，排的新戏留不住观众……戏曲艺术是“无技不成戏”的艺术，我们要强调优秀的表演艺术的传承，要培养人才，不断提高表演质量，使剧目和表演常演常新，才是生存之道。

     有成效的创新，都是在与观众的呼应磨合中产生的。如果不符合艺术自身的发展规律，失败就难免。历史经验告诉我们，演员是处在与观众交流的最前沿，很多优秀的演员都在继承和创新方面为我们积累了丰富的艺术经验，当年京剧四大名旦就是很好的楷模，他们在继承传统的同时，积极创新，为我们留下一批流传至今的作品。

     作品是否优秀，得奖与否不是唯一的标准，优秀的艺术作品是经得起时间检验的。梅兰芳先生讲过，戏曲变革的原则是“移步不换形”，我的理解，“移”是创新，“形”是规律，即变革要立足戏曲的“形”——美学精神：写意的艺术观、虚实相生的艺术手段、传神的审美追求、诗韵化的节奏感和形式美等。如果抛开戏曲的美学精神和地方戏的特色，等于消灭了戏曲剧种本身。戏曲要沿着正常的状态进行创新，戏曲的发展才有希望，这是艺术发展的真谛。

     观众的艺术审美永远是喜新厌旧的，这是必然的规律。观众的口味在不断地变化，所以，从剧目的思想内容、从审美情趣来说，都需要在实践中不断地调整改进，接受观众的检验，当然，对于观众，我们要适应，同时也要引导。地方戏的剧种多，有古老剧种，有新型剧种，有大剧种，有小剧种，有的剧种底子厚，有的底子薄；演出剧目有的题材以传统戏为主，有的以时装戏为主；剧团条件也各不相同，有的是边缘地区剧团，有的是大城市的剧团，各自面对的观众的审美需求不一样，各个剧团的人才和艺术力量也各不相同……所以，传承与创新是没有固定模式的，应该是多样化的。创新应该因剧种制宜、因团制宜、因演员制宜、因观众制宜。

     排演新剧目固然是创新，而在传统戏中，对落后于时代的内容和节奏进行整理，这种推陈出新也是十分重要的，也属于创新。继承与创新的侧重点是在不断变化的。当剧场上座率不高时，我们就要思考缩短与观众的审美的距离，要动脑子创新，当“创新”到让观众反感时，就要反思自己的艺术是否变味了，要找回传统的根子。不要强调传承就不研究创新，为提倡创新就丢弃传统。实践告诉我们，没有继承则难以创新，没有创新就难以发展。所以，继承与创新是相依相存的、辩证统一的。

     提高地方戏自身的表演水平、创新能力和审美判断力，是地方戏生存与发展的关键。